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Qué es la pintura? Definición rápida

¿Qué es la pintura? En esencia, ¿podemos definirla sólo como una composición visual del óleo, o pigmento elegido, sobre la superficie de un lienzo de tela? La realidad es, que el término puede aplicarse de manera más amplia.

Si pides a un crítico que defina el arte de la pintura. Inevitablemente, se demorará en la cuestión de la forma.

Te pongo un ejemplo: En el arte, un medio como la composición musical, puede dividirse en categorías más pequeñas basadas en la forma, como una canción o una ópera. En este ejemplo, la composición musical es el medio, y la canción es la forma particular de la expresión artística. Pero también podríamos considerar que el significado expresado en una canción podría haberse encontrado si el artista hubiera elegido una forma diferente, como un poema escrito, por ejemplo.

La definición de pintura, es también una cuestión de forma. ¿Es una pintura realista o abstracta? ¿Utiliza formas orgánicas o geométricas? ¿Es el sujeto un paisaje o una persona? ¿cae, el artista, en un género particular, como el surrealismo? ¿Se aplicó la pintura con un pincel o esponja, o se salpicó y se lanzó en acción artística? Estas preguntas pueden ayudarte a entender la forma de una pintura.

Pero entonces, ¿qué es lo que une el campo de la pintura?

Los aspectos definitorios que unen todas las obras de arte bajo la categoría de pintura incluyen el uso de ciertos materiales.

Esto significa que una pintura se define generalmente como un tipo de pintura o pigmento aplicada a algún tipo de superficie, generalmente un lienzo plano y bidimensional. Pero eso no significa que las únicas obras de arte consideradas como pintura serán las que estén hechas de pintura al óleo sobre lienzo de tela. En este sentido más amplio, el graffiti es un tipo de pintura porque está hecho con pigmentos – pintura en aerosol – aplicados sobre una superficie plana, como una pared o una losa de pavimento.

La pintura, una cuestión de forma

La pintura se divide tradicionalmente en cinco categorías o “géneros”. El establecimiento de estos géneros y su estatus relativo en relación uno con el otro, proviene de la filosofía de las artes promovida por las grandes Academias Europeas de Bellas Artes, como la Royal Academy de Londres, y la influyente Academia Francesa de Bellas Artes (Academie des Beaux-Arts).

Géneros y temas

Las cinco categorías de pintura de bellas artes, enumeradas en orden de importancia o clasificación oficial, son las siguientes:

Pintura de historia

Tradicionalmente el más respetado de todos los géneros (considerado como género mayor), la “pintura de historia” no se limita a cuadros que representan “escenas históricas”

El término deriva de la palabra italiana “istoria”, que significa narrativa (historia), y se refiere a pinturas que muestran los hechos y las luchas ejemplares de las figuras morales. Incluye imágenes cristianas con figuras bíblicas, así como pintura mitológica con divinidades míticas o paganas, y figuras históricas de la vida real.

Dentro de este género podemos clasificar varios subgéneros:

• Pintura histórica: antigua, contemporánea y de batallas o bélica.
• Pintura mitológica: de mitología grecoromana o alegórica.
• Pintura religiosa: sobre el antiguo testamento, el nuevo testamento o las vidas de los santos.

Las pinturas históricas, tradicionalmente obras públicas a gran escala, tienen como objetivo elevar la moral de la comunidad.

Retrato

El primero de los géneros o temas menores. El arte del retrato incluye cuadros de personas, deidades o figuras mitológicas en forma humana. El retrato académico se ejecutaba de acuerdo a ciertas convenciones, en cuanto a la vestimenta, la posición de las manos y otros detalles como la importancia social y poder del retratado.

Este género puede subdividirse en retratos de grupo, así como de individuos particulares. Además. los retratos individuales puede ser sólo de cara, de cabeza y hombros, o de cuerpo entero.

Fue tan importante que se practicó por artistas de casi todos los movimientos, típicamente en un estilo realista. Los retratos del siglo XIX reflejaron, también, el estilo realista de la época, mientras que más tarde, veríamos una serie de finos retratos impresionistas junto con retratos expresionistas aún más coloridos, incluyendo los retratos pintados por Picasso.

Pintura de género

La “pintura de género” o “escenas de género” se refiere a cuadros que retratan escenas ordinarias de la vida cotidiana. Los temas incluyen ambientes domésticos, interiores, celebraciones, escenas de tabernas, mercados y otras situaciones de la calle.

En estos cuadros, la escena es típicamente representada de una manera no idealizada, y los personajes no están dotados de ningún atributo heroico o dramático.

El ejemplo más destacado de esta categoría de arte fue la escuela de Pintura de Género Realista Holandesa del siglo XVII.

Paisaje

El término “paisajismo” proviene de la palabra holandesa “landschap”, que significa “un trozo de tierra”, y denota cualquier cuadro cuyo tema principal sea la representación de una vista escénica, como campos, paisajes de colinas, paisajes montañosos, árboles, paisajes fluviales, bosques, vistas al mar y paisajes marinos. Muchas pinturas de paisajes famosos incluyen figuras humanas, pero su presencia siempre es un elemento secundario en la composición.

El paisaje como género independiente fue pionero en la escuela de pintura holandesa del siglo XVII, y más tarde fue desarrollado por personajes como Constable y Turner, de la escuela inglesa de paisajismo, que también fue pionera en la pintura al aire libre. Este último fue dominado por Theodore Rousseau, Millet y otros miembros de la escuela Barbizon de Pintura Paisajista, que estaban activos alrededor de Fontainebleu al sur de París.
En Rusia, mientras tanto, la pintura paisajística fue retomada por el Movimiento de Arte de los Itinerantes, y luego en Francia por la mundialmente famosa escuela de Impresionismo liderada por Monet, Renpir, Pissarro y Sisley.

Naturaleza muerta o Bodegón

Una “pintura de naturaleza muerta” comprende típicamente un arreglo de objetos (como flores o cualquier grupo de objetos mundanos) colocados sobre una mesa.

Se deriva de la palabra holandesa ‘Stilleven’, un término utilizado en la pintura holandesa del siglo XVII para describir cuadros anteriormente titulados ‘Fruit’ o ‘Flower Pieces’.

Vánitas es un subgénero dentro de la pintura de bodegones que contiene mensajes bíblicos o morales. Este tema era practicado por exponentes del realismo holandés como Harmen van Steenwyck (1612-56), Pieter Claesz (1597-1660), Jan Davidsz de Heem (1606-83), Willem Kalf (1622-93) y Willem Claesz Heda (1594-1681).

¿Por qué se clasificaron las pinturas?

Esta “jerarquía de géneros” fue adoptada como la agenda principal para el arte académico, porque reflejaba los valores del Renacimiento italiano sobre lo que era el tipo de arte “mejor” o “más noble”.

En Italia, donde la Iglesia encargó una gran cantidad de obras para su exhibición pública dentro de las iglesias, las pinturas a gran escala con un mensaje moral o edificante se consideraban la forma más elevada de arte. Mientras que el paisaje y las naturalezas muertas , no plasmaban personas de forma habitual, y por lo tanto, no contenían ningún mensaje moral.

Este sistema de clasificación renacentista, que constituyó la base del “arte académico” oficial enseñado en las academias de bellas artes europeas y posteriormente americanas, no fue cuestionado seriamente hasta el siglo XIX, a pesar de que los antiguos maestros del norte de Europa (es decir, los que vivían en Flandes, Holanda, Alemania, Gran Bretaña y Escandinavia) desarrollaron tradiciones y métodos pictóricos muy diferentes a los de Italia y España.

Por ejemplo, a partir de 1520, el norte de Europa rechazó a Roma y adoptó la fe protestante. Y como los líderes religiosos protestantes rechazaron totalmente la idea de decorar sus iglesias con obras de arte caras, los artistas del Norte se vieron forzados a recurrir a los mecenas de clase media, que querían que las pinturas de pequeña escala -retratos y naturalezas muertas, así como las pinturas de género- se colgaran en sus hogares.

Este cambio se vio favorecido por el hecho de que el clima del norte de Europa, al ser más húmedo, era menos adecuado para la pintura al fresco y más adecuado para la pintura al óleo, que era el medio ideal para el detallado estilo de arte del realismo holandés.

La razón principal por la que el sistema de “ranking” se volvió tan impopular entre los artistas durante el siglo XIX, fue por la forma en que se aplicó. Las academias (en particular la Academia Francesa) eran instituciones conservadoras que seguían prácticas pedagógicas rígidas e inmutables, e insistían en que todos los artistas debían seguir una serie de convenciones detalladas (relativas al tema, la composición, los colores, el acabado, etc.) al crear una obra de arte.

Las sanciones para los no conformistas incluían la exclusión del “Salón” anual de la Academia, un destino que hacía imposible seguir una carrera como artista. Además, esta inflexible aproximación a la estética no hizo concesiones a nuevos movimientos, como el Romanticismo o el Realismo, ni al desarrollo de géneros como el paisaje y la pintura de género.

A mediados del siglo XIX, el debate se desató entre los defensores del arte académico tradicionalista y sus críticos más abiertos.

Técnica pictóricas

A lo largo de los siglos, muchas han sido las técnicas utilizadas por los pintores para la creación de sus obras. A continuación, encontrarás una lista de las técnicas más utilizadas en la pintura.

La lista incluye dispositivos utilizados para introducir la ilusión de tres dimensiones en una superficie bidimensional, métodos de aplicación de la pintura y diferentes medios elegidos por el artista para crear el efecto visual deseado.

Historia de la pintura. Corrientes y estilos

La historia de la pintura es una cadena interminable que comenzó con los primeros cuadros realizados. Cada estilo crece a partir de los estilos que le precedieron, e inevitablemente y como en todas las expresiones artísticas, todo gran pintor se suma a los logros de los pintores anteriores e influye en los pintores posteriores.

Podemos disfrutar de una pintura sólo por su belleza. Sus líneas, colores y composición pueden apelar a nuestros sentidos y perdurar en nuestra memoria. Pero el disfrute del arte aumenta a medida que aprendemos cuándo, por qué y cómo fue creado.

Una pintura siempre describe algo. Puede describir la impresión del artista de una escena o persona. También describe los sentimientos del artista sobre el arte de pintar en sí mismo.

Supongamos, por ejemplo, que el artista pinta un cuadro del nacimiento de Venus, la diosa romana del amor, un tema que ha sido utilizado muchas veces. Es posible que el espectador no aprenda nada nuevo sobre el tema de la versión más reciente que no podría haber aprendido de la más antigua. ¿Por qué, entonces, los pintores se molestan en representar la misma escena de nuevo? La respuesta es que quieren decirnos algo nuevo sobre la forma en que se puede pintar la escena. En cierto modo, el artista nos dice: “He pintado el nacimiento de Venus como ningún otro artista antes que yo lo ha hecho”. Es decir, no sólo representa el nacimiento de Venus, sino que también hace una declaración sobre el arte de pintar en sí mismo.

Muchos factores han influido en la historia de la pintura. La geografía, la religión, las características nacionales, los acontecimientos históricos o el desarrollo de nuevos materiales… todo ello contribuye a dar forma a la visión del artista.

A lo largo de la historia, la pintura ha reflejado el mundo cambiante y nuestras ideas al respecto. Y a su vez, los pintores han proporcionado algunos de los mejores registros del desarrollo de la civilización, a veces revelando más que la palabra escrita.

La pintura en la Prehistória

Los habitantes prehistóricos fueron los primeros artistas. En las paredes de las cuevas del sur de Francia y de España se han encontrado dibujos coloreados de animales, que datan de unos 30.000 a 10.000 años antes de Cristo. Muchos de estos dibujos están sorprendéntemente bien conservados debido a que las cuevas estuvieron selladas durante muchos siglos.

Los primeros pobladores se dibujaban a sí mismos, y a los animales salvajes que veían a su alrededor. En África y en el este de España se han encontrado figuras humanas muy burdas, dibujadas en posiciones que parecen reales.

Ya hace 30.000 años, la gente había inventado las herramientas y los materiales básicos para pintar. Las técnicas y los materiales fueron refinados y mejorados en los siglos siguientes. Pero los descubrimientos del cavernícola siguen siendo básicos para la pintura.

La pintura en las Civilizaciones Antiguas

Pintura Egipcia y Mesopotámica (3400-332 a.C.)

Una de las primeras civilizaciones se desarrolló en Egipto. De los registros escritos y del arte dejado por los egipcios, se sabe mucho sobre su forma de vida. Los egipcios creían que el cuerpo debía ser preservado para que el alma pueda seguir viviendo después de la muerte.

La cultura de la muerte se convirtió en una forma de vida. Las grandes pirámides, mausoleos edificados para los ricos y poderosos faraones egipcios, así como las tumbas conservadas en el valle de los reyes de Giza constituyen los máximos exponentes de la pintura egipcia.

Para asegurarse de que el alma siguiera existiendo, los artistas hicieron imágenes del muerto en piedra. También grabaron escenas de su vida en pinturas murales en las cámaras funerarias.

La civilización mesopotámica, que duró de 3200 a 332 a.C., estaba situada en el valle entre los ríos Tigris y Éufrates en el Cercano Oriente.

Los mesopotámicos construyeron sobre todo con arcilla. Debido a que la arcilla es ablandada por la lluvia, sus edificios no resistieron el paso de los siglos y se desmoronaron hasta convertirse en polvo, destruyendo cualquier pintura mural que pudiera haber existido.

Lo que se ha conservado son las cerámicas decoradas (cerámica pintada y cocida) y los mosaicos de colores. Aunque los mosaicos no deben ser considerados como pintura, con frecuencia influyen en las formas de la pintura.

La Civilización Egea (3000-1100 a.C.)

La tercera gran cultura primitiva fue la civilización egea, en las islas frente a las costas de Grecia y en la península de Asia Menor. Los egeos vivieron alrededor de la misma época que los antiguos egipcios y los mesopotámicos.

En 1900 los arqueólogos comenzaron a excavar el palacio del rey Minos en Knossos, en la isla de Creta. Las excavaciones revelaron obras de arte pintadas alrededor del año 1500 a.C. en un estilo inusualmente libre y elegante para esa época.

Los cretenses eran gente alegre y amante de la naturaleza. Entre sus temas favoritos en el arte estaban la vida marina, los animales, las flores, los juegos atléticos y las procesiones. En Knossos y otros palacios egeos, se pintaron paredes de yeso húmedo con pinturas hechas de sustancias minerales, arena y ocres de tierra. La pintura se empapó en el yeso húmedo y se convirtió en una parte permanente de la pared. Este tipo de pintura se llamó más tarde fresco, una palabra italiana que significa “fresco” o “nuevo”. A los cretenses les gustaba el amarillo brillante, el rojo, el azul y el verde.

Pintura clásica griega y romana (1100 a.C.-400 d.C.)

Los antiguos griegos decoraban sus templos y palacios con pinturas murales. Podemos decir de fuentes literarias antiguas y de copias romanas, que los griegos pintaban cuadros pequeños y hacían mosaicos. También se conocen los nombres de los maestros griegos y algo de sus vidas y obras, aunque muy poca pintura griega ha sobrevivido a los efectos del tiempo y las guerras.

Los jarrones pintados son todo lo que queda de la pintura griega. La alfarería era una gran industria en Grecia, especialmente en Atenas. Los contenedores tenían una gran demanda para la exportación, como el aceite y la miel, y para uso doméstico. El estilo más antiguo de pintura en florero fue conocido como el estilo geométrico (1100-700 a.C.). Los jarrones estaban decorados con bandas de formas geométricas y figuras humanas en un vidriado marrón sobre arcilla de color claro.

Las pinturas murales romanas se encontraban principalmente en las villas de Pompeya y Herculano. En el año 79 d.C. estas dos ciudades fueron completamente enterradas por una erupción del volcán Vesubio. Los arqueólogos que han excavado la zona han podido aprender mucho sobre la vida romana antigua de estas ciudades. Casi todas las casas y villas de Pompeya tenían pinturas en sus paredes. Los pintores romanos prepararon cuidadosamente la superficie de la pared aplicando una mezcla de polvo de mármol y yeso. Aplicaban la mezcla en capas y la pulían hasta obtener un acabado marmóreo. Muchos de los cuadros eran copias de pinturas griegas del siglo IV a.C.

Las elegantes poses de las figuras pintadas en las paredes de la Villa de los Misterios de Pompeya inspiraron a los artistas del siglo XVIII, cuando la ciudad fue excavada.

Alejandría y los retratos de las momias

Los griegos y los romanos también pintaron retratos. Un pequeño número de ellos, en su mayoría retratos de momias realizados al estilo griego por artistas egipcios,se han encontrado alrededor de Alejandría, en el norte de Egipto.

Fundada en el siglo IV a.C. por Alejandro Magno de Grecia, Alejandría se convirtió en un importante centro de la cultura griega y romana. Los retratos de momias se pintaron con la técnica encáustica sobre madera y se colocaron en cajas de momias después de la muerte de la persona retratada.

Las pinturas encáusticas, hechas con pintura mezclada con cera de abejas fundida, duran mucho tiempo. De hecho, los retratos de momias todavía parecen frescos, aunque se hicieron en el siglo II a.C.

Pintura cristiana primitiva y bizantina (300-1300 d.C.)

El Imperio Romano comenzó a declinar en el siglo IV d.C. Al mismo tiempo, el cristianismo ganó fuerza. En el año 313 d.C. el emperador romano Constantino dio reconocimiento oficial a la religión y se convirtió en cristiano.

El auge del cristianismo afectó mucho a las artes. Durante los primeros cinco siglos d.C. se instauró el Arte Paleocristiano, o Paleocristianismo. Se encargó a los artistas que decoraran las paredes de las iglesias con frescos y mosaicos. En las capillas se pintaron paneles y se ilustraron y decoraron los libros religiosos. Bajo la autoridad de la Iglesia, los artistas tenían que comunicar las enseñanzas del cristianismo de la manera más clara posible.

Los primeros cristianos y artistas bizantinos continuaron la técnica del mosaico que habían aprendido de los griegos. Pequeñas piezas planas y planas de vidrio o piedra de colores se colocaban en cemento o yeso húmedo. A veces se utilizaban otros materiales duros, como trozos de arcilla cocida o cáscaras. En los mosaicos italianos los colores eran especialmente profundos y llenos y los artistas hicieron los fondos con piezas de vidrio dorado. Colocaban las figuras humanas en colores ricos contra el oro resplandeciente y el efecto general era plano y decorativo, no realista.

El estilo Bizantino es el nombre dado a un estilo de arte que se desarrolló alrededor de la antigua ciudad de Bizancio (ahora Estambul, Turquía).

La técnica del mosaico se adaptaba perfectamente al gusto bizantino de las iglesias espléndidamente decoradas. Los famosos mosaicos de Theodora y Justiniano, realizados alrededor del año 547 d.C., muestran el gusto por una rica exhibición. En ellos, las joyas de las figuras brillan, y los vestidos de colores brillantes de la corte están colocados sobre un brillante fondo dorado. Los artistas bizantinos también utilizaron abundantemente el oro en pinturas al fresco y en paneles.

El oro y otros materiales preciosos se utilizaron a lo largo de la Edad Media para separar los temas espirituales del mundo cotidiano.

Pintura medieval (500-1500)

La primera parte de la Edad Media, alrededor de los siglos VI al XI d.C., se llama comúnmente la Baja Edad Media. En esta época de agitación, el arte se mantuvo vivo principalmente en los monasterios. En el siglo V d.C., tribus bárbaras del norte y centro de Europa vagaban por el continente. Durante cientos de años dominaron Europa Occidental.

Los pueblos celtas produjeron un arte que tiene un fuerte énfasis en el patrón. Les gustaban especialmente los diseños de dragones y pájaros entrelazados. Lo mejor del arte celta y sajón se encuentra en manuscritos de los siglos VII y VIII.

La pintura prerománica, se centró fundamentalmente en la continuqción del arte de los mosaicos, la iluminación de libros (decoración del texto, mayúsculas y márgenes) y la pintura en miniatura, practicada desde la época romana tardía, aumentaron en la Edad Media.

Carlomagno, que fue coronado emperador del Sacro Imperio Romano a principios del siglo IX, trató de revivir el arte clásico de los periodos tardorromano y cristiano temprano. Durante su reinado, los pintores de miniaturas imitaron el arte clásico, pero también transmitieron sentimientos personales sobre sus temas.

De la Edad Media se conserva muy poca pintura mural. Hubo varias grandes series de frescos pintados en iglesias construidas durante el periodo románico (siglos XI-XIII), pero la mayoría de ellos han desaparecido. Las iglesias del periodo gótico (siglos XII-XVI) no tenían suficiente espacio para pinturas murales. La ilustración de libros fue el trabajo principal del pintor gótico.

Se considera el románico, como el primer estilo artístico internacional, la primera moda pictórica que superó fronteras políticas y se aplicó en distintas regiones de Europa. Tuvo lugar entre los siglos X y XIII, y supuso una evolución del arte paleocristiano, otorgando una estilización de las figuras y un mejor uso del color. Sin embargo seguimos en una fase muy primitiva de la pintura, que no se perfeccionaría hasta el periodo gótico.

Entre los mejores manuscritos ilustrados se encontraban los libros de las horas -colecciones de calendarios, oraciones devocionales y salmos. Una página de un manuscrito italiano muestra unas iniciales elaboradamente decoradas y una escena marginal finamente detallada de San Jorge matando al dragón. Los colores son brillantes y parecidos a los de las joyas, como en el vitral, y el oro brilla sobre la página. Exquisitamente delicados diseños de hojas y flores bordean el texto. Los artistas probablemente usaron lupas para hacer un trabajo tan intrincado.

La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del año 1200, es decir, casi 30 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se extendió durante más de doscientos años.

Estilo Italo-Gótico: Cimabue y Giotto

Los pintores italianos de finales del siglo XIII seguían trabajando en el estilo bizantino. Las figuras humanas se hicieron para que parecieran planas y decorativas. Las caras rara vez tenían expresión. Los cuerpos eran ingrávidos y parecían flotar en lugar de permanecer firmes en el suelo.

En Florencia el pintor Cimabue (1240-1302) intentó modernizar algunos de los antiguos métodos bizantinos. Los ángeles en su Madonna Entronizada son más activos de lo que es usual en las pinturas de esa época. Sus gestos y rostros muestran un poco más de sentimiento humano. Cimabue añadió un nuevo sentido de monumentalidad a sus pinturas. Sin embargo, continuó siguiendo muchas tradiciones bizantinas, como el fondo de oro y la disposición de objetos y figuras en forma de patrones.

Fue el gran pintor florentino Giotto (1267-1337) quien rompió con la tradición bizantina. Su serie de frescos en la Capilla Arena de Padua deja el arte bizantino muy atrás. En estas escenas de la vida de María y de Cristo, hay emoción, tensión y naturalismo genuinos. Todas las cualidades de la calidez y simpatía humanas están presentes. La gente no parece en absoluto irreal o celestial. Giotto sombreó los contornos de las figuras, y puso sombras profundas en los pliegues de sus ropas para dar una sensación de redondez y solidez.

Para sus paneles más pequeños, Giotto utilizó temple al huevo puro, un medio que fue perfeccionado por los florentinos del siglo XIV. La claridad y el brillo de sus colores deben haber afectado mucho a la gente acostumbrada a los colores más oscuros de los paneles bizantinos. Las pinturas al temple dan la impresión de que la suave luz del día está cayendo sobre la escena. Tienen una apariencia casi plana en contraste con el brillo de las pinturas al óleo.

El temple al huevo siguió siendo el principal medio de pintura hasta que el óleo lo reemplazó casi por completo en el siglo XVI.

La Pintura Flamenca de la Edad Media al Norte de los Alpes

A principios del siglo XV, los pintores del norte de Europa trabajaban con un estilo muy diferente al de la pintura italiana. Los artistas del Norte lograron el realismo añadiendo innumerables detalles a sus cuadros. Cada cabello estaba delicadamente delineado, y cada detalle de cortinas o patrón de piso estaba fielmente colocado. La invención de la pintura al óleo facilitó la pintura de detalles.

El artista flamenco Jan van Eyck (1370-1441) contribuyó al desarrollo de la pintura al óleo. Cuando se usa témpera, los colores deben ser colocados por separado. No se pueden matizar muy bien entre sí porque la pintura se seca rápidamente. Con el óleo, que se seca lentamente, un artista puede lograr efectos más complejos. El prestamista y su esposa por Quentin Massys (1466-1530) fue hecho en la técnica del aceite flamenco. Todos los detalles, e incluso el reflejo del espejo, son claros y precisos. El color es fuerte y tiene una superficie dura, similar al esmalte. El panel de madera sobre el que se hizo la pintura fue preparado de la misma manera que Giotto preparó sus paneles para el temple. Van Eyck construyó la pintura en capas de color delgado, llamadas esmaltes. El temple se usó probablemente en la pintura de fondo original y para los reflejos.

La pintura del Renacimiento Italiano

Al mismo tiempo que van Eyck trabajaba en el Norte, los italianos se movían hacia una edad de oro del arte y la literatura.

Este período se llama el Renacimiento, que significa renacimiento, o avivamiento. Los artistas italianos se inspiraron en la escultura de los antiguos griegos y romanos. Los italianos querían revivir el espíritu del arte clásico, que glorifica la independencia y la nobleza humana.

Los artistas del Renacimiento continuaron pintando temas religiosos. Pero enfatizaron la vida terrenal y los logros de los seres humanos.

Florencia

Los logros de Giotto a principios del siglo XIV sentaron las bases del Renacimiento. Los artistas italianos del siglo XV continuaron el movimiento. Masaccio (1401-28) fue uno de los líderes de la primera generación de artistas del Renacimiento. Vivió en Florencia, la rica ciudad mercantil donde comenzó el arte renacentista. A la hora de su muerte, a los veintitantos años, ya había revolucionado la pintura. En su famoso fresco The Tribute Money (El dinero del tributo) pone figuras escultóricas sólidas en un paisaje que parece retroceder mucho en el tiempo. Masaccio pudo haber aprendido la perspectiva del arquitecto y escultor florentino Brunelleschi (1377-1446).

La técnica del fresco fue muy popular durante el Renacimiento. Era particularmente adecuado para pinturas murales de gran tamaño porque los colores se secan perfectamente planos. La imagen se puede ver desde cualquier ángulo sin reflejos ni reflejos. Frescos también están disponibles. Por lo general, los artistas tenían varios asistentes para ayudarlos. La obra se completó con tramos, ya que había que terminarla con el yeso todavía húmedo.

El estilo tridimensional completo de Masaccio era típico de la nueva tendencia progresista del siglo XV. El estilo de Fra Angelico (1400-1455) representa el enfoque más tradicional utilizado por varios pintores del Renacimiento temprano. Estaba menos preocupado por la perspectiva y más interesado en los patrones decorativos. Su Coronación de la Virgen es un ejemplo de pintura al temple en su estado más bello. Los colores alegres e intensos están colocados sobre un fondo dorado y acentuados con toques dorados. El cuadro parece un cuadro en miniatura muy grande. Las figuras largas y estrechas tienen poco en común con las de Masaccio. La composición está organizada en líneas de movimiento alrededor de las figuras centrales de Cristo y María.

Otro florentino que trabajó en el estilo tradicional fue Sandro Botticelli (1444-1510). Líneas fluidas y rítmicas unen las secciones de la Primavera de Botticelli. La figura de la Primavera, llevada por el Viento del Oeste, llega por la derecha. Las Tres Gracias danzan en círculo, los pliegues ondeantes de sus vestidos y los movimientos elegantes de sus brazos expresan los ritmos de la danza.

El famoso artista Leonardo Da Vinci (1452-1519) estudió pintura en Florencia. Es conocido por sus estudios científicos e invenciones, así como por sus pinturas. Muy pocos de sus cuadros han sobrevivido, en parte porque a menudo experimentaba con diferentes formas de hacer y aplicar pintura, en lugar de usar métodos probados y verdaderos. La Última Cena (pintada entre 1495 y 1498) se hizo al óleo, pero lamentablemente Leonardo la pintó sobre una pared húmeda, lo que hizo que la pintura se agrietara. Incluso en su mal estado, la pintura tiene el poder de despertar emociones en todos los que la ven.

Una de las características distintivas del estilo de Leonardo era su método de pintar luces y sombras. Los italianos llamaban su sfumato de luz medio oscura, que significa ahumado o neblina. Las figuras de la Virgen de las Rocas están veladas en una atmósfera de sfumato. Sus formas y características están suavemente sombreadas. Leonardo consiguió estos efectos utilizando gradaciones muy finas de tonos claros y oscuros.

Roma

El clímax de la pintura renacentista llegó en el siglo XVI. Al mismo tiempo, el centro del arte y la cultura se trasladó de Florencia a Roma. Bajo el papa Sixto IV y su sucesor, Julio II, la ciudad de Roma fue gloriosamente decorada por artistas renacentistas. Algunos de los proyectos más ambiciosos del período se iniciaron durante el papado de Julio II. Julio encargó al gran escultor y pintor Miguel Ángel (1475-1564) que pintara el techo de la Capilla Sixtina y tallara una escultura para la tumba del Papa. Julio también invitó al pintor Rafael (1483-1520) a ayudar en la decoración del Vaticano. Con los asistentes, Rafael pintó al fresco cuatro habitaciones de los apartamentos del Papa en el Palacio del Vaticano.

Miguel Ángel, florentino de nacimiento, desarrolló un estilo de pintura monumental. Las figuras de su pintura son tan sólidas y tridimensionales que parecen esculturas. El techo Sixtino, que Michelangelo tardó 4 años en completar, está compuesto por cientos de figuras humanas del Antiguo Testamento. Para pintar este tremendo fresco Miguel Ángel tuvo que tumbarse de espaldas sobre un andamio. El rostro melancólico de Jeremías entre los profetas que rodean el techo es considerado por algunas personas como su autorretrato.

Rafael llegó a Florencia desde Urbino cuando era muy joven. En Florencia absorbió las ideas de Leonardo y Miguel Ángel. Para cuando Rafael fue a Roma a trabajar en el Vaticano, su estilo se había convertido en uno de gran belleza. Es especialmente amado por sus bellas pinturas de la Virgen y el Niño. Estos han sido reproducidos por miles y se pueden ver en todas partes. Su Madonna del Granduca tiene éxito por su completa simplicidad. Atemporal en su tranquilidad y pureza, nos atrae tanto como a los italianos de la época de Rafael.

Venecia

Venecia fue la principal ciudad del Renacimiento en el norte de Italia. Fue visitado por artistas de Flandes y de otras regiones que conocían los experimentos flamencos con pintura al óleo. Esto estimuló un uso temprano de la técnica del óleo en la ciudad italiana. Los venecianos también pintaban sobre lienzos muy apretados, en lugar de sobre los paneles de madera comúnmente utilizados en Florencia.

Giovanni Bellini (1430-1516) fue el mayor pintor veneciano del siglo XV. También fue uno de los primeros pintores italianos en utilizar el óleo sobre lienzo. Giorgione (1478-1511) y Tiziano (1488?-1576), el más famoso de los pintores venecianos, fueron alumnos del taller de Bellini.

Maestro de la técnica del óleo, Tiziano pintó enormes lienzos en colores cálidos y ricos. En sus cuadros maduros sacrificó detalles al efecto de barrido de todo el cuadro, como en la Madonna de Pesaro.

 Usó pinceles grandes para hacer trazos anchos. Sus colores son especialmente ricos porque construyó pacientemente esmaltes de colores contrastantes. Por lo general, los esmaltes se colocaban sobre una base de témpera marrón, lo que le daba a la pintura un tono unificado.

El Manierismo

Con la obra de Rafael, Leonardo y Miguel Ángel se había llegado a la perfección. Lo que viniera después ya no serían capaces de superar la calidad del Cinquecento, sólo podrían intentar imitarlos. Los pintores de generaciones futuras tendrían que pintar a la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento, y así se llegó al manierismo.

Durante esta etapa que ocupó el resto del siglo XVI se cambió completamente la lógica pictórica anterior: ya no se intentaba representar la realidad de manera naturalista, sino que se deformaba caprichosamente de manera extraña, los cuadros ya no transmiten orden, las figuras adoptan posturas complicadas, se las representa de manera desproporcionada, la luz pasa a ser fría y coloreada de manera antinatural, los colores no se apoyan en gamas y se enfrentan entre sí de manera brusca… Por todo ello el manierismo se entiende como una reacción “anti-Clásica”, que rompe la armonía. Es complicado interpretar los cuadros manieristas, porque tras sus extrañas composiciones se esconde un refinamiento intelectual muy profundo.

El manierismo se convirtió en el estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto Renacimiento en la década de 1520 hasta los comienzos del estilo barroco alrededor de 1590. Se originó en Florencia y Roma y se extendió al norte de Italia y, en última instancia, a gran parte del centro y norte de Europa. El término fue utilizado por primera vez a finales del siglo XVIII por el arqueólogo italiano Luigi Lanzi para definir a los artistas del siglo XVI que eran los seguidores de los grandes maestros del Renacimiento.

Tintoretto fue uno de los grandes exponentes manieristas (1518-94). A diferencia de su maestro, Tiziano. Tintoretto solía trabajar directamente sobre el lienzo sin hacer bocetos o pinturas de fondo preliminares. A menudo distorsionaba sus formas (las tergiversaba) en aras de la composición y el dramatismo de la escena. Su técnica, que incluye pinceladas amplias y contrastes dramáticos de luz y oscuridad, parece muy moderna.

El pintor Kyriakos Theotokopoulos (1541-1614) era conocido como “El Greco” (“el griego”). Nacido en la isla de Creta, ocupada por el ejército veneciano, El Greco fue formado por artistas italianos. De joven se fue a Venecia a estudiar. La influencia combinada del arte bizantino -que vio a su alrededor en Creta- y del arte renacentista italiano hizo que la obra de El Greco fuera sobresaliente.

En sus pinturas distorsionaba las formas naturales y utilizaba colores aún más extraños, más sobrenaturales que Tintoretto, a quien admiraba. Más tarde, El Greco se trasladó a España, donde la crudeza del arte español influyó en su obra. En su dramática Vista de Toledo, una tormenta se abate sobre la quietud sepulcral de la ciudad. Los azules fríos, verdes y azul-blancos dan un escalofrío sobre el paisaje.

La escuela Flamenca y el Renacimiento en Flandes y Alemania

La edad de oro de la pintura en Flandes (ahora parte de Bélgica y el norte de Francia) fue en el siglo XV, la época de van Eyck. En el siglo XVI muchos artistas flamencos habían retomado los descubrimientos de los pintores italianos del Renacimiento. Algunos flamencos, sin embargo, continuaron la tradición flamenca de realismo. Pintaban géneros: escenas de la vida cotidiana, a menudo encantadoras y a veces fantásticas. Hieronymus Bosch (1450-1516), que precedió a los pintores del género, tenía una imaginación inusualmente viva. Inventó todo tipo de criaturas raras y grotescas para La Tentación de San Antonio. Pieter Bruegel el Viejo (1525-69) también trabajó en la tradición flamenca, pero añadió perspectiva y otras características renacentistas a sus escenas de género.

Albrecht Durero (1471-1528), Hans Holbein el Joven (1497-1543) y Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) fueron los tres pintores alemanes más importantes del siglo XVI. Hicieron mucho para suavizar el sombrío realismo de la pintura alemana anterior. Durero hizo al menos una visita a Italia, donde quedó impresionado con las pinturas de Giovanni Bellini y otros italianos del norte. De esta experiencia trajo a la pintura alemana un conocimiento de la perspectiva, un sentimiento por el color y la luz, y una nueva comprensión de la composición. Holbein absorbió aún más de los logros italianos. Su delicado dibujo y su habilidad para seleccionar sólo los detalles más importantes lo convirtieron en un maestro del retrato.

La pintura Barroca del s. XVII

El siglo XVII es conocido generalmente como el periodo barroco en el arte. En Italia, los pintores Caravaggio (1571-1610) y Annibale Carracci (1560-1609) representaron dos puntos de vista opuestos. Caravaggio (cuyo nombre real era Miguel Ángel Merisi) siempre pintaba directamente de la vida. Una de sus principales preocupaciones era copiar la naturaleza lo más fielmente posible sin glorificarla de ninguna manera.

Carracci, por su parte, siguió el ideal renacentista de la belleza. Estudió escultura antigua y las obras de Miguel Ángel, Rafael y Tiziano. El estilo de Caravaggio fue admirado por muchos pintores, especialmente por los españoles Ribera y el joven Velázquez. La pintura de Carracci inspiró a Nicolas Poussin (1594-1665), un gran pintor francés del siglo XVII.

El Barroco en España

Diego Velázquez (1599-1660), pintor de la corte del rey Felipe IV de España, fue uno de los más grandes pintores españoles. Admirador de la obra de Tiziano, fue un maestro en el uso de colores ricos y armoniosos. Ningún artista podría crear mejor la ilusión de telas ricas o piel humana. El retrato del pequeño príncipe Felipe Prosper muestra esta habilidad como una gran ventaja. Su notable pincelada fue muy admirada por los impresionistas franceses del siglo XIX.

El Barroco en Flandes

Las pinturas del artista flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640) son representativas del auténtico estilo barroco. Están repletos de energía, color y luz. Rubens rompió con la tradición flamenca de pintar cuadros pequeños y detallados. Los suyos eran lienzos enormes llenos de figuras humanas. Se le dieron muchos más encargos para películas de gran formato de los que podría manejar. Por lo tanto, a menudo sólo pintaba un pequeño boceto de colores. Luego sus asistentes trasladaron el boceto a un gran lienzo y completaron la pintura bajo la supervisión de Rubens.

El Barroco en Holanda

Los logros del pintor holandés Rembrandt (1606-69) se encuentran entre los más destacados de la historia. Tenía un don extraordinario para captar las emociones humanas. Al igual que Tiziano, trabajó mucho tiempo en la construcción de una pintura en muchas capas. Los colores de la Tierra -amarillo ocre, marrón y marrón-rojo- eran sus favoritos. Sus pinturas son básicamente oscuras en tono y tienen muchas áreas muy oscuras. Los ricos valores de estas áreas oscuras, creadas con muchas capas de color, hacen que su técnica sea inusual. Importantes secciones de sus pinturas están dramáticamente iluminadas por una luz brillante.

Jan Vermeer (1632-75) formó parte de un grupo de artistas holandeses que pintaron las humildes escenas de la vida cotidiana. Era un maestro en la pintura de texturas de todo tipo: satín, alfombras persas, cortezas de pan, metal. La impresión general de un interior de Vermeer es la de una habitación soleada y alegre llena de objetos domésticos preciados.

La pintura del s. XVIII

En el siglo XVIII, Venecia produjo varios pintores de gran calidad. El más famoso fue Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770). Decoró los interiores de palacios y otros edificios con frescos tremendos y coloridos que representaban escenas de riqueza y esplendor, Francesco Guardi (1712-93) y Antonio Canaletto (1697-1768) pintaron vistas escénicas, muchas de las cuales recordaban las glorias pasadas de Venecia. Guardi era muy hábil con el pincel. Con unos pocos parches de color podría evocar la idea de una figura diminuta en un bote.

Francia: El estilo Rococó

En Francia, el gusto por los colores pastel y la decoración intrincada dio lugar al desarrollo del estilo rococó a principios del siglo XVIII. Jean Antoine Watteau (1684-1721), pintor de la corte del rey Luis XV, y más tarde François Boucher (1703-70) y Jean Honoré Fragonard (1732-1806), se asociaron a la corriente rococó. Watteau pintó visiones de una vida de ensueño en la que todo es alegría. Hay picnics en el parque o fiestas en el bosque donde se divierten los caballeros galantes y las damas elegantes.

Otros pintores del siglo XVIII retrataron escenas de la vida ordinaria de la clase media. Al igual que el holandés Vermeer, Jean Baptiste Simeon Chardin (1699-1779) valoraba las escenas domésticas sencillas y los arreglos de bodegones. Sus colores son sobrios y tranquilos comparados con los de Watteau.

Inglaterra

En el siglo XVIII los ingleses, por primera vez, desarrollaron una escuela de pintura distinta. Consistía principalmente de pintores de retratos que fueron influenciados por artistas del Renacimiento veneciano (Neoclasicismo). Sir Joshua Reynolds (1723-92) y Thomas Gainsborough (1727-88) son los más conocidos.

Reynolds, que había viajado por Italia, se dedicó a revivir los ideales renacentistas de la pintura. Sus retratos, aunque encantadores y conmovedores, no son particularmente interesantes en color o textura. Gainsborough, por otro lado, tenía talento para el trabajo con pinceles brillantes. Las superficies de sus pinturas brillan con un color brillante.

La pintura del s. XIX

El siglo XIX se considera a veces como el período durante el cual el arte moderno comenzó a tomar forma. Una razón importante para la llamada revolución de las artes en ese momento fue la invención de la cámara, que obligó a los artistas a reexaminar el propósito de la pintura.
El siglo XIX fue un período en el que Europa y el mundo experimentaron cambios rápidos y profundos en todos los ámbitos.

Desde el punto de vista político y geográfico, Europa se encontraba en un estado de constante cambio con las revoluciones en Francia, la desintegración de los imperios español, romano santo y napoleónico francés, y el crecimiento de los imperios británico y alemán.

El período fue también un período de enorme cambio social y urbanización, que fue instigado por el nacimiento de la ciencia como profesión y dos grandes Revoluciones Industriales, que definieron el período como la edad de la máquina, impactando a todos los niveles de la sociedad y mejorando casi todos los aspectos de la vida cotidiana.

El arte, y especialmente la pintura, en el siglo XIX no fue diferente. Los cambios a lo largo de 100 años fueron dramáticos, pasando de las obras históricas al estilo de los’Viejos Maestros’ a los albores de la Modernidad.

Mientras que anteriormente los artistas eran comisionados para producir obras en nombre de un cliente o institución, fue durante el siglo XIX cuando los artistas comenzaron a producir obras por sí mismos, explorando nuevas y personales áreas de interés.

Los nuevos avances en el transporte, especialmente en el transporte ferroviario, impulsaron la comunicación a través de las fronteras y las nuevas ideas e influencias artísticas se extendieron rápidamente por toda Europa.

Así, a lo largo del siglo XIX nacieron muchos movimientos y estilos artísticos innovadores y originales. Algunos de estos movimientos fueron de corta duración y sólo florecieron en pequeños distritos, mientras que otros fueron generalizados y tuvieron un profundo efecto en la evolución del arte. Este blog explora sólo algunos de los estilos y movimientos más importantes de la época, mostrando cómo las libertades artísticas pasaron de 1800 a 1900.

España y Goya

Francisco Goya (1746-1828) fue el primer gran pintor español en aparecer desde el siglo XVII. Como pintor favorito de la corte española, realizó numerosos retratos de la familia real. Los personajes reales están vestidos con ropas elegantes y joyas finas, pero en algunos de sus rostros todo lo que se refleja es vanidad y codicia. Además de retratos, Goya pintó escenas dramáticas como El 3 de mayo de 1808. Esta foto muestra la ejecución de un grupo de rebeldes españoles por soldados franceses. Contrastes audaces de luz y oscuridad, y colores sombríos atravesados por salpicaduras de rojo, ponen de manifiesto el horror del espectáculo.

Neoclasicismo: 1780-1900

En 1800, a principios del siglo XIX, el neoclasicismo era el estilo de pintura dominante en Europa. El movimiento artístico se había desarrollado en el siglo XVIII como parte de un estilo decorativo más amplio que abarcaba la arquitectura, la escultura y las artes decorativas.

El neoclasicismo se popularizó tras el descubrimiento de los antiguos yacimientos de Herculano y Pompeya en Italia a mediados del siglo XVIII. El estilo se arraigó en los años 1780 en el período previo a la Revolución Francesa y floreció bajo el Imperio de Napoleón I a principios del siglo XIX.

La pintura neoclásica duró hasta la década de 1840, aunque muchas facetas del neoclasicismo evolucionaron e influyeron en otros estilos a lo largo del siglo, especialmente al final del período con artistas como Frederic Leighton (inglés, 1830-1896) y Sir Lawrence Alma-Tadema (holandés, 1836-1912).

En muchos sentidos, el neoclasicismo se asemejaba a la tradición clásica, que había sido popular desde el Renacimiento de finales del siglo XV, pero también tenía una carga política y social, ya que representaba alegorías metafóricas que inspiraban al público y a sus líderes por igual.

El más importante de todos los pintores neoclásicos es sin duda Jacques-Louis David (francés, 1748-1825).

 A David se le atribuye la definición de la pintura neoclásica tal como la conocemos con la famosa obra El juramento de los Horacios, pintada en 1784.

Romanticismo: 1750-1890

Al igual que el neoclasicismo, el romanticismo formaba parte de un movimiento artístico más amplio que incluía la literatura y la arquitectura, así como la pintura, que se originó en Gran Bretaña a mediados del siglo XVIII.

No fue hasta alrededor de 1820 que el movimiento llegó a la Europa continental, donde convivió con el neoclasicismo hasta mediados del siglo XIX, cuando ambos fueron finalmente eclipsados o desarrollados en otros estilos.

Sin embargo, a diferencia del neoclasicismo, el romanticismo rechazó el orden y la idealización que el neoclasicismo promovía a favor de enfatizar los aspectos emocionales, personales e imaginativos del arte.

El movimiento fue en parte una reacción contra la Revolución Industrial, y en parte una reacción contra la era filosóficamente lógica de la Ilustración. En cambio, favorecía la apreciación intensa de la belleza natural, las emociones y los sentidos por encima de la razón y la lógica.

El romanticismo también estuvo influenciado por las creencias espirituales, la cultura popular y el interés por la época medieval, que caracterizaron algunas de las pinturas realizadas durante el período.

William Blake (inglés, 1757-1827), pintor y poeta, es una figura fundamental en la pintura romántica, y es conocido por sus ilustraciones y obras en acuarela que crearon mundos imaginarios inspirados por dioses y poderes místicos, así como escritores famosos como Dante y Shakespeare.

La Hermandad Pre-Rafaelita: 1848-1854

Los prerrafaelitas eran un grupo de artistas británicos -una hermandad- que evolucionaron a partir del movimiento romántico de la pintura. El grupo se opuso polémicamente al “ideal” en el arte que fue favorecido por la Real Academia, como lo demuestra la pintura del maestro renacentista Rafael (italiano, 1483-1520).

El grupo que buscó revivir el arte británico haciéndolo tan creativo, poderoso y dinámico como la pintura de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento antes de la obra de Rafael, de ahí el término prerrafaelita.

a pintura prerrafaelita revivió los colores brillantes y atrevidos de la pintura renacentista del Quattrocento, desarrollando una nueva técnica de pintura que consistía en pintar esmaltes finos de pigmento sobre un fondo blanco húmedo. Esto dio a la pintura prerrafaelita una cualidad luminosa distintiva.

La pintura prerrafaelita también se centró en la extrema atención a los detalles y en la belleza absoluta de la naturaleza. Su objetivo era producir cuadros y estatuas maravillosas y de gran calidad.

Una de las características más distintivas es la representación de mujeres de pelo largo con rasgos delicados y vestidos largos y amplios.

La Hermandad Pre-Rafaelita fue establecida en secreto en 1848 por John Everett Millais (inglés, 1829-1896), William Holman Hunt (inglés, 1827-1910) y Dante Gabriel Rossetti (inglés, 1828-1882).

Una de las mayores influencias de los prerrafaelitas fue John Ruskin (inglés, 1819-1900), crítico de arte, escritor y pensador social que defendió las conexiones entre naturaleza, arte y sociedad.

La Hermandad se hizo pública en 1849 y creció en número, pero para 1854 el grupo se había disipado.

A pesar de su corta existencia, la Hermandad Pre-Rafaelita tuvo un gran impacto en la historia del arte, con miembros que establecieron lugares prominentes para sí mismos en el mundo del arte de la era victoriana, y sus obras fueron muy veneradas.

Los prerrafaelitas pintaron una variedad de temas, incluyendo obras religiosas, temas de poesía y literatura, obras inspiradas en el espiritualismo y la naturaleza, pero al final buscaron temas serios, como el amor y la muerte, para expresar ideas serias y genuinas. El corazón era una motivación clave en el trabajo de los prerrafaelitas.

La importancia de la naturaleza era primordial para el estilo prerrafaelita, y expresar y representar la naturaleza con reverencia y cuidado se consideraba de suma importancia. Esto se debió a la oposición de los prerrafaelitas a la Revolución Industrial: volvieron a la calma y la belleza de la naturaleza para contrarrestar los rápidos cambios mecánicos que estaban ocurriendo a su alrededor.

Realismo: 1850-1900

El realismo, a menudo llamado naturalismo, se originó en Francia en la década de 1850, tras la Revolución Francesa de 1848. Hubo equivalentes del estilo que se desarrolló en muchos otros países europeos y particularmente en Rusia, pero el realismo se asoció más fuertemente con Francia y los pintores franceses.

El término’Realismo’ no significa la apariencia realista de las obras, como si fuera lo contrario de la abstracción. Hasta este punto, casi todas las obras de arte buscaban la representación “realista” de la composición. Más bien, el Realismo se interesó por el realismo de la materia, marcando una ruptura con las pinturas de historia neoclásica y el Romanticismo, que elevó a los sujetos a una importancia monumental. El realismo estaba interesado en los trabajadores comunes y en la gente normal y corriente como sus sujetos.

Revolviendo contra el estilo romántico dominante, el realismo se preocupaba por la representación veraz de temas que evitaban los adornos artísticos o los elementos inverosímiles.

El pintor más importante y famoso en el estilo realista fue Gustave Courbet (francés, 1819-1877), quien estaba totalmente comprometido a pintar exactamente lo que podía ver.

Courbet creía que la única fuente posible de arte era la experiencia del artista, y entre sus obras pintaba composiciones figurativas, paisajes y bodegones.

El estilo fue popular hasta finales del siglo XIX, cuando fue gradualmente superado por el Impresionismo.

Impresionismo: 1870-1920

El impresionismo fue un movimiento estilístico de pintura que surgió en la década de 1870 en Francia y se hizo popular en toda Europa durante los siguientes cincuenta años.

El movimiento se originó con un grupo de pintores radicales parisinos que ganaron fama durante el período por su violación de las rigurosas reglas de la pintura académica, que favoreció pinturas cuidadosamente terminadas, realistas y precisas en ese momento.

Estos artistas fueron inicialmente muy criticados y no pudieron exponer en el prestigioso Salón de París, por lo que fundaron la Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, (la Asociación Cooperativa y Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores), donde pudieron exponer de forma independiente.

Los precursores del movimiento impresionista compartían intereses en la pintura “de la vida”, al aire libre en el campo, favoreciendo las escenas de paisaje y las situaciones sociales por encima de las escenas grandes y demasiado dramáticas.

Sin embargo, a diferencia del Realismo, que daba toda la importancia a la honestidad de la representación y al aspecto fotográfico, el Impresionismo no era sólo un movimiento, sino que introdujo un nuevo estilo visual y técnico para la pintura.

El más celebrado fue Claude Monet (francés, 1840-1926), y fue después de su obra “Impresión, amanecer”, pintada en 1872, cuando se dio nombre a todo el movimiento.

Monet es famoso por sus escenas de paisajes y sus pinturas de jardines, en particular de nenúfares, en tonos vibrantes y pastel.

El más celebrado fue Claude Monet (francés, 1840-1926), y fue después de su obra “Impresión, amanecer”, pintada en 1872, cuando se dio nombre a todo el movimiento.

Monet es famoso por sus escenas de paisajes y sus pinturas de jardines, en particular de nenúfares, en tonos vibrantes y pastel.

Post-Impresionismo 1886-1905

El postimpresionismo fue el último movimiento artístico europeo importante del siglo XIX, que tuvo lugar principalmente en Francia entre los años 1886 y 1905.

El movimiento nació de la insatisfacción de muchos artistas con la apariencia borrosa y mezclada de temas y composiciones impresionistas, que pensaban que carecían de estructura. Los Post-Impresionistas buscaron restaurar el orden y la estructura de la pintura, para hacer un arte sólido y duradero que celebrara un estilo artístico distinto.

La pintura post-impresionista no estaba unificada por un estilo global, sino que estaba compuesta por una amplia gama de técnicas y estilos asociados a los artistas que la desarrollaron.

Sin embargo, la mayoría de las pinturas post-impresionistas estaban unificadas por sus cualidades emotivas y su rico simbolismo. Las pinceladas gruesas y pictóricas caracterizaron muchas pinturas postimpresionistas, y se dispusieron de forma ordenada y direccional para formar una composición.

Los colores utilizados eran atrevidos y vívidos, rayando en una vibración poco natural, y los temas abarcaban desde la pintura de paisajes hasta la pintura de naturaleza muerta, abarcando también escenas de género y composiciones sociales.

Vincent van Gogh (holandés, 1853-1890) caracterizó el período con sus pinceladas impulsivas y tangibles, sus colores atrevidos y sus obras trágicas y muy emotivas, que iban desde sus autorretratos, pasando por bodegones hasta escenas de paisajes.

Van Gogh es recordado ardientemente como el ideal romántico del artista torturado, luchando contra los problemas de salud mental que lo llevaron a suicidarse. A pesar de su obvio genio, vivió en la pobreza y fue sólo de manera póstuma que obtuvo una amplia aclamación.

La pintura del s. XX

El siglo XX fue un siglo de particular agitación en todo el mundo, que abarcó desde guerras hasta recesiones económicas y movimientos políticos radicales. Nadie puede estar en desacuerdo en que los años entre 1900 y 2000 fueron años de cambios extremos para los artistas de todo el mundo. Estos cambios se reflejaron audazmente en las obras de artistas vanguardistas a lo largo del siglo. El arte clásico estaba siendo desafiado cada vez más a medida que las olas de nacionalismo e imperialismo se extendían por todo el mundo a principios de la mitad del siglo XX.

Los artistas exploraron temas extremos y variados en los años anteriores y posteriores a la Primera Guerra Mundial, y esos mismos temas fueron revisados después de la Segunda Guerra Mundial, creando un interesante paralelo. Este artículo está dividido en dos secciones: 1900-1945 y 1945-2000 y se centra en temas de arte que capturaron los talentos e ideas de algunos de los artistas más conocidos del mundo.

Fauvismo y Expresionismo

A principios de siglo, los artistas se alejaban rápidamente de las obras más clásicas y trataban de expresarse a través de diferentes medios. El fauvismo fue el nombre de corta duración del movimiento artístico de mayor duración llamado Expresionismo. Desde aproximadamente 1905 hasta 1910, los artistas buscaron explorar las emociones de nuevas maneras, empleando el uso de colores vivos y brillantes e imágenes y temas emocionales.

Este movimiento es muy conocido por captar las creaciones de artistas tan famosos como Henri Matisse. El movimiento del fauvismo finalmente se desvaneció en el arte expresionista más tranquilo y reflexivo, ya que el fauvismo -que provenía de la palabra Fauves, que significa bestias salvajes- perdió popularidad. El corto movimiento caracterizó los años entre 1904 y 1908, pero abarcó gran parte de la primera década del siglo XX.

Cubismo y Primitivismo

Pionero de Pablo Picasso, el cubismo buscaba profundizar la consideración que los artistas expresionistas habían creado al representar objetos e ideas desde diferentes ángulos, buscando romper y analizar las cosas. El primitivismo fue similar por extensión y fue influenciado por la colonización y exploración americana a principios del siglo XX.

El cubismo y el primitivismo exploraron la relación humana con lo mundano y lo extraordinario y se caracterizaron por sus cualidades analíticas y sintéticas.

Este movimiento artístico también fue bastante corto y alcanzó su apogeo en los años entre 1907 y 1911, extendiéndose y mezclándose con el movimiento del Futurismo, aunque los estudiosos del arte coinciden en que había llegado al final de su vida en 1919.

Movimiento Futurista

Uno de los movimientos artísticos menos conocidos, el movimiento artístico del Futurismo, no produjo ninguna obra de arte que aún hoy sea ampliamente conocida en el mundo. Sin embargo, el futurismo fue una herramienta política importante utilizada por los artistas en los años previos a la Primera Guerra Mundial. De hecho, algunos estudiosos creen que el malestar asociado con el movimiento futurista puede haber servido como propaganda para la Primera Guerra Mundial.

El movimiento abogó por la revolución social y por cambios en la forma en que se hacía y se producía el arte. En gran parte un movimiento italiano, el movimiento futurista se caracterizó por un creciente malestar y descontento con el clima económico que estaba produciendo mayores separaciones entre la clase trabajadora y la clase alta. El movimiento del Futurismo proporcionó el combustible para el posterior movimiento dadaísta, a pesar de su falta de fama y longevidad; el movimiento del Futurismo terminó al final de la Primera Guerra Mundial.

La famosa ’Fuente’ de Marcel Duchamp fue una burla al arte convencional y caracterizó los sentimientos durante la era Dada.

Arte dadaísta

Al final de la Primera Guerra Mundial, los artistas se dieron cuenta de que el movimiento futurista no era la respuesta a sus problemas. La Primera Guerra Mundial dejó a los artistas de todo el mundo desilusionados, enojados y amargados. Su arte era irracional y sus ideas se apartaban radicalmente de siglos de formas artísticas. El movimiento dadaísta abrazó ideales extraños y radicales como lo explicaron en uno de sus muchos manifiestos artísticos:

Papá lo sabe todo. Papá escupe en todo. Dada no tiene ideas fijas. Dada no atrapa moscas. Dada es la amargura riéndose de todo lo que se ha logrado, santificado… Dada nunca tiene razón… No más pintores, no más escritores, no más religiones, no más realistas, no más anarquistas, no más socialistas, no más políticos, no más aviones, no más urinarios… Como todo en la vida, Dada es inútil, todo sucede de una manera completamente idiota… Somos incapaces de tratar en serio cualquier tema, mucho menos este tema: nosotros mismos.

Manifiesto Dadaista

El arte producido durante el movimiento dadaísta era fascinante en los principios abstractos e ideas que buscaba retratar. Algunos lo llaman “anti-arte” y otros afirman que no es arte en absoluto, porque los creadores no lo consideraron como tal.

 A menudo los artistas de la era dadaísta trataban de burlarse de los artistas más clásicos y convencionales, como hizo Marcel Duchamp cuando sometió un viejo urinario a un museo de arte como obra de arte. Dada fue la explosión final del movimiento futurista y dio paso al surrealismo en 1924.

Surrealismo

La ira después de la Primera Guerra Mundial fue desapareciendo gradualmente y fue reemplazada por el surrealismo, un movimiento artístico de mayor duración que exploró la psique humana.

Pionero de artistas como Salvador Dalí, el movimiento surrealista siguió los pasos de muchos de los principales psicólogos de la época para descubrir sueños y explorar lo que hacía realidad la realidad.

Caracterizado por extrañas pinturas y cualidades oníricas, el arte del movimiento surrealista es fascinante de ver y estudiar hoy y recuerda algunos de nuestros sueños e ideas más extraños. El surrealismo fue el regreso a un movimiento artístico más tranquilo que buscaba profundizar en la conciencia, emoción y preferencia humana en lugar de derribarla.

Muchos estudiosos del arte sostienen que todo el arte tiene sus raíces en la propaganda o en las ideas religiosas. Si bien esta generalización radical sigue siendo objeto de debate hoy en día, es obvio que algunas obras de arte se utilizan en primer lugar como propaganda. El fin del movimiento surrealista estuvo marcado por el comienzo de la Segunda Guerra Mundial en Europa y la propaganda fue el movimiento de la época, con artistas requisados para contribuir a los esfuerzos bélicos y producir obras de arte que motivarían a su país a apoyar el esfuerzo bélico.

La idea era crear una “ira justa”. Algunas de las obras más famosas de la propaganda de la Segunda Guerra Mundial procedían de los Estados Unidos, que entraron en la guerra un poco tarde y tuvieron que obtener apoyo. Rosie la Remachadora, el Tío Sam y otras caras famosas decoraron el arte propagandístico hasta finales de 1945.

Existencialismo

El existencialismo fue una renovada locura social, cultural y artística que siguió a la Segunda Guerra Mundial. Se refería a un conjunto específico de ideas relacionadas con la existencia humana, el pensamiento y las ideas que eran abstractas y, en general, exclusivas de cada individuo. El existencialismo en el arte era similar al expresionismo y renovaba el mismo tipo de ideas cínicas sobre la existencia humana.

El arte se centraba en la angustia, la desesperación, la razón, los fracasos y muchas emociones complejas, oscuras y difíciles. Muchos de los artistas eran ateos y se centraban en lo que un libro de historia del arte llama el “absurdo de la existencia humana” (Gardner). Francis Bacon es un destacado artista de esta época con su obra simplemente llamada “Painting”, que retrataba una espantosa escena de matadero y un significado simbólico en la vida del hombre.

Expresionismo abstracto

A finales de la década de 1940, el Expresionismo Abstracto surgió con la idea de expresar un estado de ánimo. Considerado el nacimiento del “arte moderno”, los artistas que pintaron durante el movimiento del Expresionismo Abstracto querían que los espectadores realmente llegaran profundamente a la comprensión de una imagen. Querían que las ideas sobre la pintura estuvieran libres del pensamiento convencional y creían que sus imágenes tendrían un significado único e instintivo para cada espectador.

Algunos de los artistas famosos durante este período de tiempo fueron Jackson Pollock y Mark Rothko, que utilizaron la pintura de salpicaduras y otros métodos inusuales para crear obras de arte abstracto. El movimiento del Expresionismo Abstracto se trasladó al movimiento “Post-Painterly Abstraction” que intentaba crear una marca de “pureza en el arte”, pero el movimiento se extinguió a mediados de la década de 1950.

Pop Art

Una nueva marca de arte llamada Pop Art surgió en la década de 1950 como una sorprendente ruptura con los movimientos anteriores. Los artistas del movimiento Pop Art consideraron que el arte expresionista abstracto estaba alienando a la audiencia y buscaron utilizar su arte para comunicarse más eficazmente con el espectador.

Roy Lichtenstein fue el famoso pionero de este movimiento y utilizó su arte de una manera comercial, expresando emociones e ideas de una manera muy vívida y atractiva con la que su público podía entender y relacionarse fácilmente. El movimiento Pop Art es uno de los movimientos más reconocidos del siglo XX y a medida que se transformó y expandió, artistas famosos como Andy Warhol se hicieron muy conocidos por sus propias marcas de trabajo similares.

Superrealismo

El superrealismo es en realidad un movimiento muy pequeño que interpretó el movimiento del Pop Art en los años sesenta. Sin embargo, el superrealismo produjo obras de arte que eran drásticamente diferentes del arte pop y de obras pasadas. Los artistas durante este movimiento trajeron un retorno al idealismo y la perfección en su arte.

Muchos artistas durante este período crearon sus obras de arte a partir de fotografías. Este retorno a un estilo de arte más clásico duró poco y cayó fácilmente en el arte más político de los años setenta y ochenta.

Neoexpresionismo y Feminismo

El superrealismo se derrumbó bajo las poderosas emociones que el neoexpresionismo y el movimiento feminista buscaban invocar con sus obras de arte. El neoexpresionismo fue un retorno a la obra de arte cínica de la década de 1940 y al movimiento futurista, pero carecía de la misma sensación de enojo. En cambio, los artistas de esta época querían hacer un examen más cuidadoso y serio de la emoción y la expresión. Querían que el espectador fuera curioso y pensara profundamente en lugar de enfurecerse.

Sin embargo, este movimiento rápidamente revirtió a la ira y al cambio que sus predecesores habían deseado cuando el movimiento feminista puso sus manos en las ideas. La comunicación a través del arte volvió a ser política y retrató el cuerpo femenino de manera provocativa a medida que el movimiento feminista hacía su breve resurgimiento, luchando por la igualdad en todas las áreas de los derechos de la mujer. Con legislación como el Título IX aprobado y otras victorias para las feministas, el movimiento artístico fue cediendo poco a poco a los años 90 y al Arte de Actuación.

Arte interpretativo. Perfomance

La última década del siglo XX se caracterizó por un arte que se denominó en gran medida Arte de Performance. Este arte caracterizaba el uso creciente de las computadoras personales y el arte se usaba libremente en nuevos videojuegos, películas y otros avances tecnológicos. El arte se utilizaba para las actuaciones y para captar la atención y el atractivo del comprador. El arte fue en gran medida comercial en esta última década antes del amanecer del siglo XXI.

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